Un diálogo entre los relatos «Ante la Ley» de Kafka y La leyenda del santo bebedor de Roth, dos relatos cuya datación casi coinciden literalmente con el periodo de entreguerras, propicia una comparación de interpretaciones en las que participan nombres tan eximios como Benjamin, Arendt, Mann, Scholem, Adorno, Steiner, Magris... En el contexto de los años veinte y treinta del siglo XX, estos y otros relatos de ambos autores plantean una pregunta por la justicia que en manos de autores como Hugo Bergmann, Frank Rosenzweig y Martin Buber dio pie a un replanteamiento del judaísmo centroeuropeo, hoy casi olvidado, y a una revisión de la crisis de la modernidad europea en su conjunto.

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) es la primera mujer performer en España. Su participación en ZAJ, le llevó a participar en la vanguardia artística europea desde los años 60. En las últimas décadas su trabajo se ha visto reconocido tanto por los mejores premios nacionales, como por las retrospectivas realizadas en los principales museos de arte españoles. Sin embargo, todo ello no le ha cambiado lo más mínimo. La premio Velázquez sigue inmersa en cómo entender mejor el mundo, la vida, a través de sus obras. En esta entrevista, realizada en su casa de París, hacemos un repaso a más de sesenta años trayectoria profesional.

La obra del exilio de Luis Cernuda, como ha senalado repetidamente la critica, contiene una insolita elaboracion de la imagen de Espana desde la distancia. En este articulo estudio como esa imagen supone un ejercicio de critica cultural, que comprende elementos de intertextualidad muy reveladores y se enfrenta a contextos problematicos-el franquismo, el republicanismo mas ortodoxo, el indigenismo que el poeta encontro a su llegada a Mexico-y el manejo de varias fuentes que ayudan a comprender su significado.

Jorge Oteiza (1908-2003) dio escasas pistas sobre su estancia en Argentina, Chile y Colombia entre 1935 y 1948. Este artículo desarrolla un análisis de la evolución de sus ideas estéticas a la luz de un cotejo de sus publicaciones de las décadas de 1940, 1950 y 1960 y la documentación personal del artista conservada en el archivo y la biblioteca de la Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Se presta especial atención a la relación de Oteiza con diversos artistas americanos y del exilio español, en un tejido en cuyo centro se encontraría en muchas ocasiones el poeta Vicente Huidobro. En particular, se analiza su encuentro con poetas como Pablo de Rokha, Pablo Neruda y Juan Larrea, así como su estudio del arte precolombino y su recepción del muralismo de David Alfaro Siqueiros y el constructivismo de Joaquín Torres García, que lo llevarían a proponer un cambio de paradigma cultural, en los albores de la posmodernidad, en diálogo con el indigenismo y el poscolonialismo.

The influence of Coleridge on Newman has often been cited, but it has also been disputed. Newman himself sometimes denied it or simply expressed his surprise at the 'coincidences'. In this article I focus on different aspects of Newman's thought where such influence is apparent: the idea of a 'sacramental system', the Church of England as a via media, the theory of development in dogma, and the self. Newman's mixed feelings about Coleridge are also analysed and an explanation for these is provided.

En el siglo IV entre los Padres del Desierto se desarrolla una práctica espiritual cuyo fundamento está en la ascesis como vía de encuentro con Dios. Entre los cristianos que abandonan las grandes urbes se fueron constituyendo una serie de comunidades que van adoptando una forma de vida retirada que persigue establecer una relación directa con la divinidad gracias a una delicada tarea que compagina, por un lado, la búsqueda en la interioridad de una armonía con Dios, y, por otro, un habitar la creación desde la perspectiva de ser una criatura salida de las manos de Dios mismo. En la soledad, en el silencio y en la quietud tendrá lugar un proceso de iluminación que revela toda una serie de perfiles éticos y estéticos originarios que hacen que el ser humano pueda soñar con alcanzar la plenitud de una vida buena, de una vida que aspira convertirse en reflejo de la justicia, de la paz y del amor de Dios.

Con escasas excepciones, la crítica siempre ha aludido de pasada a Quetzalcóatl, el largo poema de narrativo de Cernuda sobre la Conquista de México, y ha sentido perplejidad e incomodidad ante su tono apologético y su tratamiento cínico de la violencia. Un estudio de las fuentes que manejaba Cernuda para su recreación de la España de los Austrias, así como del contexto desde el que escribía y del armazón retórico del poema, sin embargo, ayuda a concretar su significado y paliar parte de esa perplejidad y esa incomodidad.

«Silla del rey», un largo poema de Cernuda sobre Felipe II ante El Escorial, ha suscitado a veces la perplejidad de la crítica, dada su caracterización positiva del monarca. Un estudio de las fuentes de esta visión cernudiana del Siglo de Oro español y del palacio escurialense, así como de los artificios retóricos en juego, ayuda a precisar el significado de este poema.

The dawning of the era of the image in the mid-1950s prompted a reconsideration of the existing methodology of art history. Since then, art critics and scholars have paid increasing attention to the viewer¿s role in art, and they have therefore developed theories of art that are focused on the viewer. These changes, which had a considerable impact on the visual aesthetics of the 1960s, were transferred to the field of art history in the 1970s. This article deals with authors such as Clement Greenberg, Michael Baxandall, and Svetlana Alpers, who place the experience of the viewer¿s eye and visual culture at the core of their studies, with the purpose of examining the use of these components in the methodologies proposed by the new art history.

Este artículo examina el porqué y cómo el proyecto contra el cambio climático necesita la colaboración de artistas para afrontar los retos climáticos desde la perspectiva psicológica. Las personas artistas pueden tanto actuar como amortiguadores entre el público y los datos científicos como motivar un diálogo más enriquecedor a través del impacto del arte que aborda el cambio climático. En otras palabras, los(as) artistas desempeñan un papel cada vez más destacado en la concienciación y en la participación del público en el problema climático. Pueden convertir sus obras en herramientas eficaces para la comunicación sobre el cambio climático gracias a una serie de cualidades psicológicas que brindan las obras de arte. El mensaje que transmite una obra de arte climática transciende la mera comunicación intelectual porque apela a las emociones del espectador, le invita a contemplar e interiorizar la realidad climática, le inspira y logra que aspire a tomar decisiones y acciones orientadas a cambiar el futuro de nuestro planeta.

In a world with deliberate distortion of the reality to create and shape public opinion and influence social attitudes, objective facts, and logical arguments are losing to emotions and personal beliefs. This post-truth world abides by the rules of volatility, fluctuation, and surplus value that in turn, condemn some aspects of the referentiality of language to the law of obsolescence. It is imperative to conduct how this process affects design, and uncover whether it plays a vital part since, to some extent, design involves the cultivation of emotions in the development of solutions. Literature shows that insincerity exists in the design and advertising industry and the fact that the world works in the way that we design it. Therefore, designers must uphold their social responsibility to create a better world. It is shown that emotions are critical drivers of the designs. Also, it is demonstrated that design is a public language that settles objectives, interests, instruments, and affections held individuals to create political competence and dialogue.

La obra de Logan Pearsall Smith (1865-1946) y la de Julio Torri (1889-1970) ofrecen numerosas concomitancias, que en parte se explican como una decantación por el simbolismo y un rechazo del naturalismo y el positivismo desde contextos diferentes. Partiendo una renovación de la prosa moderna de fuentes francesas y del poema en prosa, ambos desembocaron en una exigua obra aforística.

Jorge Oteiza (1908-2003) se refirió varias veces al poeta chileno Vicente Huidobro, a quien trató en Santiago de Chile entre 1935 y 1937. Se trata de un capítulo poco conocido y menos documentado de su trayectoria, pero del que se desprenderían con el tiempo importantes consecuencias. La documentación conservada en el archivo de la Fundación Oteiza incluye tres escritos inéditos que permiten reconocer la influencia del poeta chileno y su vanguardismo cosmopolita en la evolución del pensamiento estético oteiziano.

Si bien Tàpies comenzó a trabajar con objetos desde el inicio de su trayectoria artística, a partir de los años 60 dio un gran impulso a su obra tridimensional. Entre las razones que impulsaron este giro sin duda se encuentra el impacto de las corrientes neodadaístas que conoció entonces en Estados Unidos. A partir de ese momento, Tàpies se vuelca en la manipulación de objetos cotidianos marcados por el uso, se abre al arte conceptual explorando el aspecto objetual del lienzo y da a sus obras una mayor dimensión social. Sin embargo, la importancia que durante esos años se otorgó al aspecto matérico de sus muros, su clasificación en el informalismo y otros avatares críticos, condujeron a que no se diera a esta dimensión de su obra el valor que merece. En este artículo se hace una relectura de todo este proceso mostrando la necesidad de recuperar la inserción de Tàpies en el panorama internacional del momento.

El objetivo de este artículo es analizar el entorno que ha facilitado la evolución de la paraficción como tendencia, llevándola a ocupar una posición significativa en el arte contemporáneo actual, y en particular en el del siglo XXI. El texto examina cómo las circunstancias sociales y políticas, junto con un extenso desarrollo tecnológico a escala mundial, han generado un impacto drástico en nuestra percepción de la verdad, propiciando una atmósfera adecuada para artistas como el dúo UBERMORGEN. El trabajo de este dúo ejemplifica cómo estos creadores utilizan prácticas paraficcionales con el fin de examinar la posverdad contemporánea y cuestionar las noticias falsas, para lo cual emplean estrategias radicales de medios sociales y métodos no convencionales, como la alucinación consensual.

El objetivo de este artículo es examinar cómo Dieter Rams y Ross Lovegrove conciben la noción de la estética sostenible. La mayoría de los estudios que abordan la relación entre la sostenibilidad o el diseño sostenible y la estética en el contexto del diseño de producto parten de la premisa de que lo sostenible y lo estético, cada uno con su entidad propia, son componentes independientes y yuxtapuestos que están presentes en un diseño actual con miras medioambientales. Desde esta perspectiva, lo estético suele desempeñar el rol de ornamentar o embellecer el material o la estructura sostenible a posteriori. El presente artículo propone un planteamiento distinto de dicha concepción decorativa basada en un proceso asincrónico: en lugar de entender el diseño sostenible y la estética como dos piezas de puzle independientes que intentan encajar la una en la otra, argumentamos que la sostenibilidad y la estética son coprincipio de un buen diseño de producto, con el que asociamos ¿la estética sostenible¿, y que se necesitan mutuamente en el desarrollo ecoestratégico, tal como consideran Rams y Lovegrove.

El objetivo de este artículo es analizar el entorno que ha facilitado la evolución de la paraficción como tendencia, llevándola a ocupar una posición significativa en el arte contemporáneo actual, y en particular en el del siglo XXI. El texto examina cómo las circunstancias sociales y políticas, junto con un extenso desarrollo tecnológico a escala mundial, han generado un impacto drástico en nuestra percepción de la verdad, propiciando una atmósfera adecuada para artistas como el dúo UBERMORGEN. El trabajo de este dúo ejemplifica cómo estos creadores utilizan prácticas paraficcionales con el fin de examinar la posverdad contemporánea y cuestionar las noticias falsas, para lo cual emplean estrategias radicales de medios sociales y métodos no convencionales, como la alucinación consensual.

Since the very origin of art, human beings have faced the challenge of the representation of Evil. Within the medieval Christian context, we may find many beings which have attempted to convey the power of the devil. Demonic beings, terrifying beasts, fallen angels or even Satan himself can be frequently found and appear in many forms. They can be seen in chapitols, stained glass windows, codices horizontal ellipsis Our aim is to evaluate different creatures, animals and monstruous hybrids, which represent the efficient presence of the devil. We base our evaluation on some bestiaries, natural history books and encyclopedias from the XII and the XIII century, like the Bestiaire from Philippe de Thaon, Pierre de Beauvais, Guillaume le Clerc, or the so-called Cambridge Bestiary as well as the one from Oxford, the Livres dou Tresor from Brunetto Latini, the Liber monstrorum de diversis generibus, L'image du Monde from Gossuin, the Bestiario moralizzato di Gubbio, and of course, the Physiologus. Natural beings acquire a supernatural dimension in bestiaries and in natural history books. We will present the reader with a satanic bestiary, a short selection of these evil-related beings. In this, we will distinguish between those beasts representing evil through their ability to deceive and those which are able to generate not only fear, but also death.

Edwin Muir has often embarrassed critics as a rara avis. He was overlooked by anthologists before 1950 and, although subsequent anthologies never failed to include him, he was still hard to place for many readers. Labelled as a traditionalist or a craftsman, his later work proves however that Muir was much more. Understanding his use of myth, form and intertextuality enables us to rethink the significance of his work in the twentieth-century context.

Un diálogo entre los relatos "Ante la Ley" de Kafka y La leyenda del santo bebedor de Roth, dos relatos cuya datación casi coincide literalmente con el periodo de entreguerras, propicia una comparación de interpretaciones en la que participan Benjamin, Arendt, Mann, Scholem, Adorno, Steiner, Magris... Al fondo de esa comparación surge una pregunta por la justicia que en manos de autores como Hugo Bergmann, Frank Rosenzweig y Martin Buber dio pie a un replanteamiento del judaísmo centroeuropeo, hoy casi olvidado, que sin embargo testimonia más allá de la crisis del hebraísmo la de la propia cultura europea.

Angel Maria Pascual (1911-1947) has very often been blamed for the sophistication of his writing and the baroque bias of many of his works, such as the novels Amadis (1943) and Don Rhone! de Espana (1944), the articles Cartas de Cosmosia (1942-1946) published on El Espanol, the essay Catilina (1948) and the poems, collected in one single volume, Capital de tercer orden (1947a). However, at the same time he published these books his style was shown more "classical", sober, and perfectly readable in his Glosas a la ciudad. The study of the sources of his baroque writing and the way he combined them, therefore, shows that it contains, rather than a mere personal attitude, a political and aesthetic message: the author's disappointment at the new political regime and the betrayal of the expectations that he entertained during the war.

On August Business Roundtable (2019), the Business Roundtable redefined the purpose and social responsibility of the corporation. Yet, this statement must be followed by substantial changes in the business models of corporations for it to avoid becoming empty rhetoric. We believe that the figure of the independent director may be one of the catalysts needed for this change of paradigm for corporations. In spite of the positive correlation between Corporate Social Responsibility (CSR) and board independence, the development of the independence of boards during the last decade has not lead to the expected CSR results. Academics and regulators point to a weak definition and the non-standardized measurement of both independence and board independence (BI) as one possible explanation, and agree that a broader definition is needed. This paper aims to contribute to this debate. We develop a second-generation definition of independence based on a positive approximation to the concept by integrating an Aristotelian perspective of virtue ethics with the best practices of corporate governance. Thus, we define independence as a virtue guided by practical wisdom, that implies autonomy and autarky and which enables a person to act with integrity, fairness and truthfulness. In the context of corporate governance, independence is associated with an honest disposition to serve. Our proposal has political implications for supervisors that make decisions relating to the suitability of (...)

Antoni Tàpies¿ writings and interviews unveil his holistic conception of art, which was profoundly influenced by the Chinese nondualistic aesthetics of qi ¿ and the idea of yi wu liang ti (one object but two states). He considers the creation of art a dynamic process animated by the constant flow of qi and constituted by the artist, medium, artwork, and audience.

Nacido en San Sebastian (1969). Gabriel Insausti es Doctor en Filologia Hispanica y en Filologia Inglesa. Master of Arts en Filosofia y en Historia del Arte. Fue visiting scholar en las Universidades de Aberdeen (1995) y en el Saintsbury Centre For the Visual Arts de la Universidad de East Anglia (2001). Ha recibido premios de poesia (Gerardo Diego, Arcipreste de Hita, Rabindranath Tagore, Manuel Alcantara horizontal ellipsis ), de novela (Ateneo Jovellanos 2012), de critica literaria (Amado Alonso 2014) y de aforismos (Jose Bergamin 2017) y fue finalista del Nacional de Literatura en 2002 y del Herralde de novela en 2013. Obtuvo el Premio Extraordinario por su tesis en Filologia Hispanica. Ha publicado cincuenta libros. Profesor Titular en la Universidad de Navarra.

This article studies the graffiti of Antoni Tapies, one of the most important twentieth-century Spanish artists. This is an aspect little considered in his art and, nevertheless, crucial to understand his body of work. This perspective allows us to highlight the artist's interest to bridge the separation between art and life. This way, he can be recontextualized beyond the informalist current in which he has been generally classified and be brought closer to the international movements of action art. To this end, the appearance of the wall in his work will be examined, in order to see the emergence of graffiti. In a second place, two stages will be differentiated to see the relationship between Tapies' graffiti development and the transformations that took place in the field of graffiti at an international level. In this way, the article aims to expand the interpretative framework of Tapies' work, which thus acquires a greater coherence and gets opened to new meanings.

Antoni Tàpies conferred new meanings to everyday things through his singular creative processes and material-object arrangements. Moreover, he brought the objects, materials, and subjects of art into a sensorial and intellectual play to achieve a sui generis view of art. The analysis of his hybrid conception of artwork has three points of exploration. First, he questioned the character of the thingness of artwork as well as thingness in work of art. Second, his artistic creations achieved an exceptional sense of playfulness through the recontextualisation of words, things, everyday objects, and matter. Third, influenced by East Asian aesthetic schools of thought, Tàpies¿ works of art display change and transience as the essence of material things, which are, together with the idea of hybrid or hybridisation, the protagonists of his art. At the same time, Tàpies invited the audience of his art to question its meaning, to be its cocreator, and to meditate on it.

Throughout his life, Joseph Brodsky clung stubbornly to a set of habits and tastes. One of his most outstanding and surprising loyalties was his writing a Christmas poem every year, which in time produced around thirty different pieces. Among these is the remarkable "Dec 24, 1971", his last Christmas poem before he left the Soviet Union, which contains a reference to his idea of "empire" -a criticism of totalitarian regimes- plus an idea of Christianity as a religion of hospitality and brotherhood.

La reescritura de los mitos ha sido una constante en la literatura universal. Se mantiene en relatos contempor?neos espa?oles, donde su presencia es escasa pero muy significativa. Las huellas de los mitos muestran hoy, por ejemplo, que D?dalo es imagen de una humanidad con una identidad fr?gil que idolatra la ciencia y la tecnolog?a. Asimismo, su laberinto sirve en varios relatos para mostrar la vida como un recorrido sin salida aparente. Otras caracter?sticas mitol?gicas han cambiado hoy de signo: la inmortalidad ya no es un valor sino una condena, y las metamorfosis que provocaban los dioses ya no remiten a una causalidad trascendente sino a una superaci?n de lo racional a trav?s de la ficci?n. Tambi?n el mito del doble plantea la cuesti?n del mal de un modo renovado. Por un lado, la banalizaci?n de la licantrop?a apunta a la necesidad de asumir nuestras zonas oscuras, al tiempo que condena la mirada sobre el otro como monstruo. Por otro, los desdoblamientos desaf?an la tensi?n entre el sue?o y la rutina, poniendo en evidencia nuestros deseos destructivos y apostando por el riesgo de traspasar lo previsible.

The compliance-based approach and the integrity approach have been the mainstream responses to corporate scandals. This paper proposes that, despite each approach comprising necessary elements, neither offers a comprehensive solution. Compliance and integrity, far from being mutually exclusive, reinforce each other. Working together, in a correct relationship, they build a harmonized system that yields positive synergies and which also advocates prudence (phrónesis). It enables the generation of a culture of compliance that tends to minimize the technical and ethical errors in decision making. In order to explore an applied harmonized approach, we analyze the audit committee, a specific and broadly accepted regulatory instrument. Formed by non-executive members, regulation requires these members to be dedicated, qualified, and independent as a guarantee of efficiency. We show how the compound of those elements produces positive effects in a context of solid governance. We conclude that it is the strong relationship between efficiency and prudence, in the creation of a culture of compliance, which enables the minimization of errors.