“Enseñar a los estudiantes las claves de la experimentación formal, material y conceptual de la moda” es uno de los objetivos docentes que buscan inculcar las profesoras Ananda Pascual, María Villanueva y Maider Istúriz en los talleres de Moda de la Escuela de Arquitectura. Dentro de estos talleres se enmarca la performance ‘Resonancias’, fruto de una residencia artística de Artes Escénicas del MUN en colaboración con la Escuela.
Inspirada en la exposición ‘En vivo y en directo: color, percepción y experiencia’, Yaiza Pinillos, ideóloga del proyecto, ha dirigido a los estudiantes en el proceso de crear diversos dispositivos y el vestuario con la técnica de origami.
Las profesoras Pascual, Villanueva e Istúriz explican en esta entrevista en qué ha consistido el proyecto desde el punto de vista de la docencia y la investigación.
¿Cómo se integra la investigación sobre formas plegadas y vestuario escénico en el aprendizaje de la asignatura?
Dedicamos un mes a familiarizarnos, practicar y reproducir patrones de origami para comprender cómo se comportaba el papel y lograr acabados de gran calidad. Una vez superamos esta fase, comenzamos a crear patrones propios y a manipular los aprendidos, hasta dar con las piezas definitivas.
Durante esta segunda fase, integramos nuestra metodología habitual de proyecto, articulando las propias propuestas creativas de las alumnas con el enfoque de la metodología propuesta por Yaiza Pinillos.
¿Qué retos supuso confeccionar prendas para utilizarlas en movimiento?
En primer lugar, ha sido un desafío trabajar desde la técnica en lugar de partir de una investigación conceptual más abierta, como hacemos en clase . Sin embargo, en cuanto comprendieron el sentido del proceso, presentaron resultados muy interesantes, muchos de los cuales se han podido ver en la performance.
Por otro lado, nos enfrentamos al reto del material. Probamos distintos papeles –como vegetales o fotográficos— con características que permitieran responder tanto a la técnica del origami como al movimiento y a las exigencias físicas de los dispositivos.
Por último, destacó la adecuación a la exposición ‘En vivo y en directo: color, percepción y experiencia’ en la que se enmarca el proyecto, la cual aún no estaba montada cuando desarrollamos la asignatura. Para solventarlo, recreamos una sala que simulaba la instalación de color de Cruz-Diez para comprobar si el vestuario y los dispositivos respondían como esperábamos a la luz y al color.
¿Qué beneficios tiene el trabajo interdisciplinar en los proyectos docentes?
Los beneficios de esta experiencia son muchos y muy variados. En primer lugar, la orientación al servicio de un encargo delimitado y un reto real al que deben dar una respuesta funcional. El segundo aspecto es la proximidad con el ámbito profesional, viendo su trabajo representado en un escenario real.
Por último, cabe destacar el impacto desde el punto de vista universitario, donde el trabajo interdisciplinar amplía los horizontes intelectuales y culturales del alumnado. Al salir de sus intereses individuales y enfrentarse a propuestas nacidas en otras disciplinas artísticas, las alumnas descubren nuevas perspectivas y miradas enriquecedoras dentro del mundo del arte.
La performance se estrenó el 23 de octubre, ¿qué impacto tiene ver las prendas en acción?
Para nosotras ha sido algo espectacular y nos alegra especialmente por las alumnas, quienes han visto reflejado el esfuerzo de todo un cuatrimestre materializado en esos dispositivos finales. Ver el vestuario cobrando vida en el movimiento de la bailarina Olga Pericet y de la cantautora Pastora Andrade, dentro del contexto exacto para el que fue creado, ha sido verdaderamente maravilloso.
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