A Benjamín Iborra y Carlos Dimas les gusta mirar la arquitectura desde el interior. Explican que “la materialidad, la luz, la proporción, la temperatura, el sonido o cómo recorres un espacio tienen una influencia enorme en cómo lo experimentas”. Inspirados por Zumthor y el poder de crear atmósferas, creen que el fin último de la profesión es “hacer que la vida de las personas sea un poco mejor a través del espacio”.

Los fundadores del estudio de arquitectura Mesura comparten su visión contemporánea de la profesión.

¿Con qué pregunta comienzan vuestros proyectos?

Empezamos por preguntarnos qué tenemos delante y qué estamos dando por hecho.

Para nosotros, cada proyecto es una línea de investigación diferente. Seguimos una manera de trabajar que se adapta a la situación, al lugar, a las circunstancias y a las personas que nos hacen el encargo.

Por eso la primera pregunta no suele ser «¿qué vamos a hacer?», sino más bien «¿por qué esto tiene que ser así?». A veces la respuesta termina siendo construir algo completamente nuevo; otras veces es reutilizar lo que ya existe, como en Aesop; y otras, incluso, es decidir no hacer nada, como en Vasto Gallery.

Defendéis una visión sistemática de la creatividad. ¿Por qué creéis que sigue costando defender la parte técnica de esta profesión?

Durante mucho tiempo se ha explicado la arquitectura desde su parte más visible: la idea, la imagen o el gesto. Nosotros mismos nos hemos formado en una visión bastante icónica, casi sin presupuesto, sin condicionantes y sin demasiadas personas que pudieran opinar sobre ella.

Cuando empezamos a trabajar nos dimos cuenta de que las reglas habían cambiado. Y eso nos obligó a entender que hacer arquitectura también significa trabajar con límites.

Ahí aparece la idea de Mesura: hacer las cosas a medida, con las condiciones reales del proyecto. El presupuesto, el material, el clima, la normativa, el cliente y el lugar no son necesariamente problemas que haya que superar. Muchas veces son precisamente lo que hace posible que aparezca una buena idea.

Por eso no entendemos la creatividad como algo caprichoso. Hay una parte intuitiva, pero también mucho conocimiento detrás: investigar, probar, equivocarse, construir, entender cómo funcionan las cosas y saber hasta dónde puedes llevarlas.

La técnica no limita la creatividad; muchas veces es lo que permite que una intuición se convierta en arquitectura.

¿Dónde encontráis el equilibrio entre la identidad del lugar y la mirada global?

Cada lugar tiene su propio carácter. Trabajamos en muchos sitios diferentes y eso nos ha obligado a desarrollar una manera de mirar que parte siempre del contexto: entender el clima, la cultura, los recursos disponibles y por qué la arquitectura anónima de ese lugar ha llegado históricamente a determinadas soluciones.

La arquitectura vernácula nos interesa porque contiene mucho conocimiento acumulado.

La mirada internacional nos permite comparar, aprender y traer otras referencias, pero no queremos llegar a un lugar con una solución preconcebida. Nos interesa más descubrir qué podemos aprender de ese lugar y después reinterpretarlo desde una mirada contemporánea.

En el marco interdisciplinar, ¿cuál es el mayor reto al traducir el lenguaje de la arquitectura al de otras disciplinas?

El reto principal es no pensar que nuestro lenguaje es el centro. Hemos nacido en una época mucho más colaborativa y en el estudio convivimos con perfiles muy distintos: arquitectura, investigación, comunicación, tecnología y perfiles técnicos.

Para que esa colaboración funcione hay que aprender a escuchar y también a ceder. Una de las cosas más interesantes de trabajar así es que una disciplina puede hacerte preguntas que tú nunca te habrías hecho desde la arquitectura. 

¿Qué aporta a los proyectos detenerse en los procesos, más allá de los resultados?

Para nosotros el proceso tiene casi tanta importancia como el resultado. No queremos que la arquitectura se explique únicamente a partir de una fotografía final, porque ahí desaparece una parte enorme del proyecto: de dónde viene una decisión, qué se ha investigado, qué se ha probado, qué errores ha habido y qué cosas han acabado cambiando.

Cada proyecto nos sirve para aprender. Lo que nos interesa del proceso es que sea algo capaz de cambiar la idea durante el camino.  Si entendemos cada encargo como una línea de investigación diferente, lo que descubrimos en un proyecto puede convertirse en una herramienta para el siguiente.

De todos los proyectos de interiorismo en los que habéis trabajado, ¿cuál creéis que resume mejor la esencia de Mesura?

Aesop Diagonal, porque reúne muchas de nuestras obsesiones: la investigación sobre el lugar, la reutilización, los materiales locales, la sostenibilidad entendida desde la coherencia y el sentido común, el trabajo artesanal y, sobre todo, la idea de que el proyecto nace de las condiciones que encuentra.

Utilizamos piedra de Montjuïc que ya había formado parte de edificios de Barcelona y que había sido recuperada. Eso nos permitió trabajar con un material cien por cien local y reutilizado, pero también hizo que el propio material determinara parte del diseño.

Nos interesaba que el proyecto no intentara parecer sostenible, sino coherente con una determinada manera de hacer arquitectura.

Vasto Gallery representa otra parte muy importante de Mesura. Es un proyecto que reivindica algo que a los arquitectos nos cuesta mucho: decidir no hacer nada. El cliente quería que aquello siguiera siendo su casa y entendimos que no había que transformar las columnas ni imponer una nueva arquitectura.

A veces diseñar es intervenir. Y otras veces diseñar es saber cuándo no intervenir.