Terrence Malick puede ser considerado como uno de los directores de cine más relevantes del panorama fílmico actual. Se trata de un cineasta singular, con un fuerte sello autoral, guionista de sus propias películas, curtido en la mayoría de los géneros, premiado en los grandes festivales y, cosa rara en los tiempos que corren, profundamente reservado en cuanto su vida privada se refiere. Las apariciones públicas de Malick durante los estrenos y la promoción de sus filmes son prácticamente nulas: ni concede entrevistas ni acude a los pases de prensa, por lo que tiene fama de director huidizo.

El artículo propone un estudio del filme ¡Olvídate de mí! como caso paradigmático de ¿película de memoria¿. La cinta, dirigida por Michel Gondry y con guion de Charlie Kaufman, aborda la representación fílmica de la memoria personal de una manera lograda, en su doble condición de objeto y proceso. El análisis aborda en primer lugar cómo la memoria emerge en la película como eje temático de la representación fílmica. Después se analiza la estructura del relato, construida a partir distintas líneas narrativas que se entrecruzan constantemente y que provocan una evidente complejidad narratológica. Y, por último, se atiende a los tres rasgos más característicos de las películas de memoria: la subjetividad, la indiscernibilidad temporal y la performatividad. La forma en la que estos tres conceptos convergen en ¡Olvídate de mí! convierte este filme en un excelente ejemplo de las posibilidades a las que se abre la representación fílmica de la memoria personal.

This article analyses the creative strategies deployed to frame the narrative and aesthetic resemblance between Fargo the series and Fargo the movie. It explores the cluster of intersec- tions between the film and the TV show in relation to four categories: 1) The choice of a diegetic universe related to the original, which also frames the series within similar genre coordinates. Both productions present an investigative, thriller-ish plot that unfolds against the breath-taking snowy backdrops of Minnesota and Dakota, enabling us to view them under the paradoxical la- bel of white noir. 2) The dramatic construction of the main characters in the series replicates the struggle between good and evil present in the film, through the choice of analogous roles: good, incarnated again in an ordinary police woman; and evil, in the hitman duo from Fargo and Lorne Malvo, a diabolical character who features only in the TV show. Moreover, the series extends the antiheroic, pathetic archetype that acts as a catalyst for the intrusion of evil in the plot. 3) Traces of certain narrative and visual echoes comprise the clearest mode of resemblance, although they are also used to drive the plot in new directions and to underscore the metaphorical meaning of the mise-en-sce¿ne. 4) And last but not least, the development of the expressive possibilities of the landscape, which ¿ in both film and TV series ¿ is portrayed as linked with the inner world and personality of the characters.

La adaptación al Espacio Europeo de Educación Superior sitúa las enseñanzas artísticas al mismo nivel que las titulaciones universitarias. La moda ha pasado de ser un objeto de estudio de cursos especializados para convertirse en un grado o título superior. Además de esta ampliación de las vías de estudio, la moda ha experimentado un creciente interés por parte de la investigación académica. Este trabajo da cuenta de la dispersión de aproximaciones teóricas sobre la moda, y de su definición multidimensional. A partir de este marco fracturado, se plantea la oportunidad de investigar la moda en su dimensión comunicativa. Para ello se realiza un estudio empírico cuyo objetivo evalúa la presencia de la moda en los planes de estudio de las facultades de comunicación y la presencia de la comunicación en los estudios de moda, tanto en centros superiores de enseñanzas artísticas como en la universidad española.

Estudio crítico, con perspectiva narrativa y estética, de la película Petite Maman, de Céline Sciamma.

A comienzos del siglo XXI, el European Dream parecía superar al American Dream por su defensa del progreso basado en valores comunitarios frente al individualismo y materialismo. Según Jeremy Rifkin, era un sueño forjado al término de la Segunda Guerra Mundial que aspiraba a reconstruir Europa entendiéndola como una casa común para todos sus ciudadanos. Sin embargo, las crisis de las últimas dos décadas han mostrado cómo este sueño está surcado por grietas ¿como el euroescepticismo o el rechazo de los refugiados y migrantes de África y Oriente Medio¿ que nos enfrentan con una cuestión ineludible: ¿qué es Europa hoy? Este libro explora las respuestas que han dado el cine, la fotografía y el cómic a la actual crisis de la identidad europea. En el capítulo que nos ocupa se atiende al concepto de puesta en escena y al modo en que contribuye a hacer presentes las costuras de un continente entregado al mal y a la guerra en tres películas: El hijo de Saúl, Land of Mine y Cold War. Independientemente de sus géneros y derroteros temáticos, las tres corroboran la imagen de una Europa rota por dentro.

Estudio crítico sobre la película "La luz de mi vida", de Casey Affleck (2019).

El capítulo ahonda en la idea de la desintegración de Europa que aflora en 3 películas de Oliveira, Angelopoulos y Godard.

Estudio crítico de la película "Las guardianas" (Xabier Beauvois, 2017)

Estudio crítico de la película ¡Lumière! Comienza la aventura, de Thierry Frémaux (2016).

Estudio crítico de la película El hijo de Saúl, de Lászlo Nemes (2015).