This article presents a quantitative and qualitative analysis of formal and semantic trends of the flashback in Netflix original drama series between 2013 and 2017. The purpose is to determine whether such temporal digressions are commonplace to develop a better understanding of the evolution of television storytelling in the streaming era. The method applied involves a scene-by-scene quantitative analysis of temporality in 33 pilot episodes, an original methodology in television narratology. This is followed by a theoretical definition of the five categories of flashback: delimited, expository, undefined, independent, and oneiric. Tables displaying the data support the results of the study. The subsequent discussion combines the data with a qualitative analysis to identify patterns in how Netflix dramas juxtapose the five categories of flashbacks. Three conclusions are offered: the prevalence of temporal disruptions; the wide variety of flashback categories appearing in Netflix drama series; and the formal simplicity using these tropes.

This paper explores the particularities of television's temporality or, more specifically, the particular aesthetic capacities it has at its disposal in virtue of its distinctive temporality. Drawing from a methodology that combines studies on seriality that have proliferated both in Television Studies and in the Philosophy of Aesthetics, we argue that the extant notions of "seriality" do not offer a full account of television's particular temporal character and the aesthetic capacities it has. For this reason, we dig deeper into a new term: "temporal prolongation". This includes, unlike the concept of seriality, both the specific way in which the television medium uses temporality, as well as the aesthetic effects that this handling generates in formats and genres as diverse as endless soap-operas, serial dramas, episodic procedurals, sitcoms, television newscasts, sports broadcasts, weekly contests, reality TV, and even documentaries. We attempt a definition of "temporal prolongation," distinguishing it from seriality, and we support our claims by working through some assorted examples -of both specific formats and programs-, which shows the validity of our theory. In the first place, we deal with fiction series, where temporal prolongation can work though recurring gags, the monster-of-the-week structure, and the "special episodes." The second case study is the TV news anchor, where the concept of familiarity establishes unique aesthetic rewards thanks to the passage of time. The last case to be examined is that of reality shows, with Kitchen Nightmares as the paradigm, where variations in expectations are essential to institute a fruitful comparison with previous episodes.

Este artículo examina si los contenidos de YouTube sobre el cambio climático contribuyen a que se generen nuevas propuestas de comunicación, con voces y enfoques distintos, lo que implicaría una mejor información de los ciudadanos y podría facilitar su implicación y participación en la toma de medidas necesarias para enfrentar el problema (decisiones de consumo, presión a los políticos para que adopten medidas, etc.), o si, por el contrario, se han amplificado las voces que, en general, predominan en los medios, como las de los políticos. Mediante un análisis de contenido, este estudio analiza la representación del cambio climático en los vídeos más populares en YouTube. Tras examinar una muestra de 288 vídeos difundidos durante el periodo octubre 2016-octubre 2017, se constata que los políticos, como el expresidente estadounidense Donald Trump, son las voces más citadas en las piezas de YouTube sobre cambio climático, seguidas de periodistas y científicos. Respecto de los productores de esos vídeos, los medios de comunicación ocupan un lugar privilegiado de popularidad. Incluso, parte de sus contenidos se reutilizan total o parcialmente por otros usuarios de la plataforma. La vocación principal de los mensajes es informativa, con un discurso enfocado, sobre todo, en las consecuencias del cambio climático en los países desarrollados.

This article analyzes, from an aesthetic and cultural point of view, two pivotal moments in The Americans, a Cold War spy thriller set in the heart of Ronald Reagan's America. Both samples¿one from the mid-series episode "Stingers" (3.10.), and the other from the series finale, "START" (6.10.) "show how the protagonists, two KGB spies living undercover in the United States as a married couple with two kids, disclose their secret identity to characters with whom they have a special emotional bond: their daughter, who has become a devout Christian; and their best friend and neighbor, who happens to be a counterintelligence officer in the FBI. After exploring how identity and performance play a crucial role in the spy-thriller genre, the article investigates whether it is possible for the audience to interpret the feelings and thoughts of characters with multiple identities who excel in the art of duplicity; and whether the viewer can infer intention from performance. Following this epistemological discussion, the article then sets out to explain the sociocultural relevance and timeliness of The Americans as a text whose thematic and aesthetic concerns ultimately revolve around individual identity vis-a-vis collective allegiances and ideologies.

Aesthetics philosopher Noel Carroll affirms that grotesque forms 'are all violations of our standing categories or concepts; they are subversions of our common expectations of the natural and ontological order'. In breaking structural boundaries, consequently, the grotesque appears as deformations, aberrations, exaggerations, metamorphosis or startling portmanteaus. Given both its nightmarish texture and the evil ingenuity of Dr Lecter's murders, Hannibal (NBC, 2013-15) ploughs fertile ground in putting together conceptually distant and even contradictory elements. Hence, this article explores how the aesthetic and philosophical principles of the grotesque are a pervasive presence throughout the entire Hannibal TV series, defining its style, characters' personality and metaphorical themes. Putting art theory in dialogue with the Hannibal televised text, this article demonstrates how the grotesque - one of the key concepts in Gothic horror - permeates every level of the show, from the opening credits to the protagonist's inner transformation, converting the narrative into a comprehensive and cohesive liminal artistic ecosystem.

El artículo explora cómo la serie de televisión Hannibal (NBC, 2013-2015) provoca una honda delectación estética, a pesar de presentar numerosos contenidos repulsivos o incómodos. Se analiza cómo la naturaleza serial de la narración televisiva habilita una manera particular de negociar la paradoja de la aversión mediante tres estrategias textuales: un dilatado character engagement, un suspense que exprime las posibilidades estéticas de la prolongación temporal y una bella puesta en escena de motivos visuales y acciones horripilantes. Son estrategias que generan una robusta fascinación en el espectador, lo que permite subvertir las características de lo repugnante.

The popularization of the antihero is linked to the dramatic and narrative need of seriality: the constant dichotomy between the family and professional spheres, between noble and petty actions, between duty and want, moves the story forward, generates suspense and renews conflicts, prolonging the story for dozens of hours. Vic Mackey (The Shield), Dexter Morgan (Dexter) or Nucky Thompson (Boardwalk Empire) could serve as an antihero example. However, the two most radical and complex cases are undoubtedly the protagonists of The Sopranos (Tony Soprano) and Breaking Bad (Walter White). The emotional affinity with the antihero has recently become the object of study. This paper proposes a new angle of study: the antihero's relationship with the rest of the characters in the series. For that purpose, we will select the characters - main or secondary - that the writers use as narrative strategy to guide the emotional and moral responses of the spectator the emotional and moral responses of the viewer in their particular relationship with the anti-hero. We will mainly focus on the reactions of these characters to the amoral behaviors of the antiheroes. We propose a methodology of textual analysis that, based on cognitivist theorists, will serve as a mechanism to better understand the construction of the anti-hero and to investigate the effects of authorial decisions on viewers.

La popularización del antihéroe va anudada a la necesidad dramática y narrativa de la serialidad: la constante dicotomía entre esfera familiar y profesional, entre acciones nobles y mezquinas, entre deber y querer permite hacer avanzar la trama, generar suspenso y renovar los conflictos, dilatando el relato durante decenas de horas. Vic Mackey ( e Shield), Dexter Mor- gan (Dexter) o Nucky ompson (Boardwalk Empire) podrían servir de ejemplo antiheroico. Pero, sin duda, los dos casos más radicales y complejos son los protagonistas de Los Soprano (Tony Soprano) y Breaking Bad (Walter White). La identificación emocional con el antihéroe ha empezado a estudiarse recientemente. Este artículo propone un nuevo ángulo de estudio: la relación del antihéroe con el resto de personajes de la serie. Para ello, seleccionaremos los caracteres ¿principales o secundarios¿ que los guionistas emplean como estrategia narrativa para guiar las respuestas emocionales y morales del espectador en su particular relación con el anti- héroe. Principalmente, nos centraremos en las reacciones que estos personajes exhiben hacia las conductas amorales de los antihéroes. Proponemos una metodología de análisis textual que, partiendo de teóricos cognitivistas, nos servirá como mecanismo para entender mejor la construcción del antihéroe e indagar sobre los efectos que las decisiones autorales provocan en los espectadores.

Vivimos una "era Netflix" donde la ficción televisiva se ha erigido en una de las muestras más depuradas, rentables y ubicuas de la cultura popular contemporánea. Pero, más allá de su función lúdica, las series son apasionantes, también, porque son especulares: nos permiten tomarle el pulso a una época. Siguiendo esta premisa, este volumen analiza 58 teleficciones, privilegiando su dimensión antropológica, cultural o política. Para reflexionar sobre las series de la última década larga, por estas páginas transitan emblemas de calidad como The Wire o Mad Men; relatos menos conocidos como The Leftovers o Justified; y, por supuesto, fenómenos planetarios como Juego de tronos, The Mandalorian, Chernobyl o Stranger Things. Series variadas con un denominador común: ser suculentas para un estudio que trascienda su condición estética. Así, en este libro caben propuestas televisivas que aborden cuestiones candentes, polémicas inacabadas, episodios históricos controvertidos, aspectos ideológicos poco tratados o, simplemente, propuestas disidentes frente a la argumentación monocorde, forzada o tópica.

Cine y Series. La promiscuidad infinita parte de la premisa de que hoy en día el cine es una de las principales influencias en las series de televisión, con un notable impacto tanto en la producción como en la estética. Igualmente, la maduración y exuberancia de la forma narrativa serial va dando lugar a una tendencia inversa, por lo que la influencia de los productos seriales también es reconocible en las narrativas fílmicas y en la industria del cine en general. Esta obra nos ofrece un completo panorama de las relaciones entre cine y series en la contemporaneidad. Sus autores han recogido el análisis crítico de los muchos sentidos en que esa interacción se produce. El resultado es un conjunto de contribuciones, de amplio elenco internacional, en torno a los cuatro ejes siguientes: ¿Procesos de transformación narrativa del cine hacia la serialidad. ¿El modelo visual del cine y sus influencias en la serialidad. ¿Viejas historias del cine, nuevos sentidos para la contemporaneidad: reescribiendo una historia emocionante. ¿La innovación en el estudio de las relaciones entre cine y series: ecosistemas narrativos, world building y metáforas audiovisuales.

[You can download a Sample of the book in Palgrave website: https://he.palgrave.com/resources/sample-chapters/9781137568847_sample.pdf] This book examines the role of emotions in contemporary TV series. Over the past 20 years, TV fiction has become one of the most powerful and influential trends in popular culture. Shows such as Mad Men, Breaking Bad, The Sopranos, Lost and The Wire have created a vigorous televisual landscape where innovations in narrative form, aesthetic engagement and ethical concerns have raised TV entertainment to new heights. What makes this volume unique is its interdisciplinary approach, as the series are analysed from the perspective of Television Studies, Literature, Sociology, Philosophy and Media Studies. Key concepts developed include the relation between moral emotion and character identification, how serial narrative builds into 'affective moments' as a distinctive mode of aesthetic experience, the politics of emotion in collective identities, the intersection of gender and emotions, and how popular genres such as terror films, the thriller and science fiction manage the 'emotional turn' that postmodernism has made visible.

Este artículo analiza la cómo la serie británica Catastrophe (Channel 4, 2015-19) actualiza los códigos de la comedia romántica tradicional. Para ello, y acudiendo a escenas concretas que se estudian en detalle, se examinan las estrategias de comicidad que la serie despliega: la contradicción entre intimidad sexual y distanciamiento emocional, la novedosa centralidad de lo obsceno como palanca humorística, el equilibrio narrativo entre tragedia y carcajada, el espejo invertido de los secundarios y el papel de la melodía como intensificador metafórico y humorístico. El artículo concluye explorando cómo la visión humanista y esperanzadora que Catastrophe propone, más allá de su corteza cómica, una suerte de oda al matrimonio.

In this chapter, we ask whether there is anything specific about the handling of time in contemporary television series that distinguishes it from seriality in other media such as cinema, literature, and comics. We claim that there is, doing so by elaborating upon a concept proposed in Nannicelli¿s recent monograph ¿ ¿temporal prolongation.¿ This term is borrowed from yet another art medium ¿ music ¿ but it nicely suggests ¿a temporally unfolding, yet organically unified structure.¿ Our suggestion is that we use the term ¿temporal prolongation¿ in the study of television to refer to television¿s medium-specific handling of temporality and the effects it creates. In the monograph, Nannicelli glosses three ways in which temporal prolongation affords television particular qualities that serialization does not afford the cinema: The fostering of a particularly intense form of character engagement, the sustainment of suspense over long periods of time, and a unique, cognitively pleasurable way of eliciting comic amusement. This chapter aims to review and elaborate upon the concept of temporal prolongation, further distinguish it from seriality, illustrate its manifestation in a number of different cases (e.g., documentary series; sitcoms; and ¿reality¿ TV series), and defend it from potential objections (such those relating to ¿binge-viewing¿).

Les Revenants (Canal+ France, 2012-15) is one of the most relevant French TV-Series from the last decade, given its high-concept story and its international success. This chapter aims to explore the nature of Les Revenants' significance, focusing on the connection between style and substance, and how they shape and nuance each other in fascinating and thought-provoking ways. To tackle this association, this chapter first outlines an overview of how to understand 'style' and 'substance', the binomial concept around which this volume revolves. Then, it scrutinises the aesthetic strategies at the beginning of the pilot episode, both in its cold open and its opening credits. Through close reading of these two sequences, the analysis details how the interrelation between a noteworthy style and an elusive substance can create a weird, uncanny mood, one of the show's main aesthetic achievements. Finally, this chapter concludes exploring how the narrative offers a double reflection on substance: on a thematic level by exploring spiritual issues, and on a metatextual level by renovating the essence of the zombie sub-genre.

This chapter addresses the ways in which screenwriters create the persona of the anti-hero in the Chilean TV miniseries Heroes (2006¿2007), a six-part historical series about Chilean national heroes, currently used as educational material in Chilean schools. In the writing of this celebratory series, the key challenge was to create engaging characters who could be perceived as national ¿heroes¿ in the context of a contemporary series, when in fact, their historical actions were those of ¿un-heroic¿ real people, people an audience would consider to be ¿anti-heroes¿. To consider this challenge, the chapter traces how the screenwriters of Heroes created the character of the hero/anti-hero as both protagonist and antagonist. In the chapter, firstly we outline the situation the writers were faced with in researching and recreating the real-life characters of Bernardo O¿Higgins, José Miguel Carrera, and Manual Rodríguez. This includes the challenge of delving into the psychology of characters who were by present-day standards prejudiced misogynists who mistreated women, ordered murders and fathered illegitimate children whom they ignored, and presenting them as heroes, particularly when the target audience was school children. We distil these as a means of considering the creation of the anti-hero in the script development of Heroes.

Este capítulo aborda las mutaciones del género "noir", apuntando a un cambio en la cosmovisión o imagen del mundo que se ofrece a los espectadores. El noir clásico -y más aún el neo-noir- se caracteriza por la ambigüedad moral y un sentido final de desesperación. Frente a este canon, este artículo propone el término "bright noir" para referirse a un cambio de tendencia: un tono más optimista y un final que proporciona una cierta clausura moral, a menudo veteada de esperanza, redención, perdón u optimismo. Se justifica esta variante del género analizando finales de series como "Broadchurch", "Happy Valley" o la primera temporada de "True Detective", así como la estructura dramática completa de "Terriers", "Daredevil", "Justified" o "Fargo".

The Shield (Fox 2002-2008) y The Wire (HBO 2002-2008) son dos de los programas de tv más aclamados por la crítica en la historia y ambos pueden ser vistos como las más refinadas propuestas de film noir producidas para la televisión. The Wire trasciende el género del show policiaco al ofrecer un retrato de múltiples capas de toda la ciudad de Baltimore: desde el trabajo policial hasta el tráfico de drogas, pasando por la corrupción del sindicato de estibadores, las marrullerías de la política local, los problemas del sistema escolar y algunas prácticas periodísticas sin ética. Por otra parte, The Shield es un programa policiaco que deja sin aliento, que presenta en primer plano la ambigüedad moral que caracteriza al género noir. Ambas series despliegan estrategias realistas complementarias (una estética neorrealista en The Wire; un pastiche cinéma vérité en The Shield) que subrayan la importancia del paisaje urbano en su narrativa. Baltimore y Los Ángeles son retratadas no sólo como lugares físicos peligrosos y arruinados, sino también atravesados por temas morales y políticos presentes en las ciudades contemporáneas tales como la cuestión racial, la clase, la corrupción política, la desintegración social, las disparidades económicas, las limitaciones del sistema de justicia, el fracaso del sueño estadunidense y más.

Introducción al volumen "Cine y series. La promiscuidad infinita". Reflexión sobre la relación entre el cine y la televisión serial y presentación de los contenidos del libro.

Para analizar la repulsión en la ficción televisiva contemporánea, este capítulo se propone, en primer lugar, acotar el asco en el terreno de las emociones. A continuación, desentrañaremos la ¿paradoja de la aversión¿, esto es, la relación entre el estatus ficcional de lo inmundo y su disfrute estético. Y, por último, abordaremos cómo el propio formato serial, con su longitud y sus cíclicas estrategias empáticas, facilita la superación de las barreras de lo repelente ¿al mismo tiempo que lo emplea como reclamo¿ para alcanzar una ¿estilización de lo repugnante¿.

Este capítulo pretende analizar las características esenciales de la narrativa televisiva contemporánea para compararlas con las del largometraje cinematográfico tradicional. En consecuencia, explicaremos en primer lugar las diferencias que la ficción televisiva y fílmica tienen en cuanto a unidad narrativa y progresión dramática: la duración textual, el tiempo de consumo y la combinación de la ¿anthology plot¿ y la ¿running plot¿. En segundo lugar, examinaremos los conceptos de adaptación y remake, en los que tanto la memoria como la originalidad juegan un papel crucial para el éxito de cualquier derivación diegética. Tras aclarar el marco teórico, aplicaremos la teoría al análisis de dos series de televisión recientes basadas en largometrajes de éxito: la primera temporada de Fargo (FX, 2014-), una suerte de remake-secuela de la película de los hermanos Coen del año 1995; y las tres de Hannibal (NBC, 2013-15), un reboot de la franquicia de El silencio de los corderos (The Silence of the Lambs, Jonathan Demme, 1991) que intenta llenar los huecos previos al nacimiento del personaje en la novela El dragón rojo, de Thomas Harris.

In Film Noir, the ending is crucial for reaching an understanding of the moral stance of the narrative. TV Series, however, offer a fragmented structure¿episodes, hiatuses, and seasons¿, which prevent the audience from grasping their full meaning until the initial conflict-the one that launches the series and structures the narrative-is definitively resolved. In a television landscape where the story is becoming ever more sophisticated, one of the great advances of ¿complex TV¿ (Mittell, 2015) revolves around the notion of the ¿ars moriendi¿ (Harrington, 2012) of audiovisual fictions: the ending of a TV show increasingly aims for circularity, emotional climax, reasonable surprise, and internal narrative coherence. But, also, a good ending usually provides some kind of moral closure. Following the classic authors who have studied Film Noir (Frank, Borde and Chaumeton, Schrader, Naremore), one can highlight two prominent features of the genre: ethical ambiguity and a final sense of despair. This notion of moral uncertainty, existentialism, and even nihilism that typifies the Noir genre has become a sort of cliché because, as Skoble (2006) has studied, we can find moral clarity and redemption already in several classic Noir examples from the 40s and 50s. Consequently, this article attempts to explore how some recent American and British TV-Noir shows are addressing this issue by undermining one of the main thematic and ideological features that both spectators and critics usuall